EntreLinhas

O ENTRELINHAS FAZ ANOS

2009-04-18T12:25:16Z

O Entrelinhas está de parabéns...

5anos.
... e venham mais cinco. :)

"Batalha de Sombras - colecção de fotografia portuguesa dos anos 50 do Museu do Chiado"

2009-02-27T11:44:52Z

(À atenção dos amantes de fotografia. Vocês sabem quem são...)

De 7 de Março a 14 de Junho, o Museu do Neo-Realismo (Vila Franca de Xira) apresenta "Batalha de Sombras - colecção de fotografia portuguesa dos anos 50 do Museu do Chiado". Composta por 78 obras, a exposição conta com a participação de diversos autores incontornáveis que ajudaram a construir a história da fotografia em Portugal: Carlos Calvet, Gérard Castello-Lopes, Adelino Lyon de Castro, Frederico Pinheiro Chagas, Carlos Afonso Dias, Franklin Figueiredo, Fernando Lemos, João Martins, António Paixão, Victor Palla, Varela Pécurto, Eduardo Harrington Sena, Sena da Silva e Fernando Taborda. Vamos dar lá um pulinho?...

"Lá Fora" (Museu da Electricidade)

2009-02-23T11:12:57Z

Comissariada por João Pinharanda, a exposição "Lá Fora", patente no Museu da Electricidade até ao próximo dia 15 de Março, reúne obras de um conjunto de artistas que se encontra a trabalhar fora de Portugal. São duas centenas de trabalhos que fazem um balanço da "mão-de-obra" portuguesa, entre sangue novo e artistas consagrados, em países como a Alemanha, Espanha, Estados Unidos, Itália ou Brasil. Rafael Bordalo Pinheiro, Amadeu de Souza-Cardoso, Vieira da Silva, Fernando Lemos, Paula Rego, João Penalva, Adriana Molder, Noé Sendas, Edgar Martins ou Carlos Noronha Feio, são apenas alguns dos artistas presentes.

Agora a sério... E cá dentro?

"O Pós-Modernismo morreu! Viva o AlterModernismo" (Tate Triennial 2009)

2009-02-17T10:12:20Z

"O Pós-Modernismo morreu! Viva o Altermodernismo!" Assim parece dizer Nicolas Bourriaud, um dos curadores mais respeitados da actualidade, fundador do Palais de Tokyo (Paris) e autor do famoso livro "Estética Relacional". "Altermodern" é um termo inventado pelo teórico francês, que sugere o fim do pós-modernismo para dar lugar a uma espécie de modernismo alternativo, onde o artista surge num contexto global, sem fronteiras e capaz de sugerir novos discursos. Segundo Bourriaud, a nova arte deverá lutar contra os estigmas da arte estabelecida e o espírito comercial que a acompanhou nas últimas décadas, encarando o território das artes como um arquipélago onde a diferença deverá ser assumida, embora a prática artística remeta sempre para uma lógica de interligação e partilha de um património ideológico comum. O primeiro ensaio da materialização destas ideias está marcado para a Trienal da Tate Britain, em Londres, até ao próximo dia 26 de Abril - uma exposição comissariada pelo próprio Bourriaud, que reúne um conjunto de artistas oriundos de vários pontos do globo e diversos suportes. O discurso é ambicioso e há quem diga que esta trienal serve apenas os objectivos de Bourriaud, que estará mais interessado em promover a sua teoria do que a promover os artistas. A polémica segue dentro de momentos e ainda vai deixar correr muita tinta. Quem puder, dê lá um salto e conte como foi. Aqui fica o manifesto:

ALTERMODERN
MANIFESTO

POSTMODERNISM IS DEAD

A new modernity is emerging, reconfigured to an age of globalisation – understood in its economic, political and cultural aspects: an altermodern culture

Increased communication, travel and migration are affecting the way we live

Our daily lives consist of journeys in a chaotic and teeming universe

Multiculturalism and identity is being overtaken by creolisation: Artists are now starting from a globalised state of culture

This new universalism is based on translations, subtitling and generalised dubbing

Today’s art explores the bonds that text and image, time and space, weave between themselves

Artists are responding to a new globalised perception. They traverse a cultural landscape saturated with signs and create new pathways between multiple formats of expression and communication.

The Tate Triennial 2009 at Tate Britain presents a collective discussion around this premise that postmodernism is coming to an end, and we are experiencing the emergence of a global altermodernity.

Nicolas Bourriaud
Altermodern – Tate Triennial 2009
at Tate Britain
4 February – 26 April 2009

"Line of Control", Subodh Gupta

Gregory Crewdson - "O elogio do artifício"

2009-01-21T05:31:25Z

Gregory Crewdson - "O elogio do artifício"

Sentado na poltrona, ligeiramente curvado e com os braços entre as pernas, um homem de meia-idade observa a sala-de-estar feita em ruínas. O olhar alienado, triste e impotente, condiz com o cenário à sua volta: um grande buraco no chão, canos à mostra, as paredes escavacadas, mesas partidas, candeeiros tombados. Ao seu lado, uma mesa de apoio com restos de comida, uma garrafa de whisky vazia, um cinzeiro cheio atafulhado de beatas e um bule de café com vários dias, revelam um serão em frente ao televisor, ligado em nenhum canal. A luz sobrenatural que irrompe do tecto indica-nos que algo estranho aconteceu por ali, mas a única testemunha do incidente recusa-se a falar. É o Sonho Americano desfeito em cacos. Um conto de fadas amaldiçoado, dissolvido naquele instante, que revela uma realidade desconfortável e sobejamente conhecida de qualquer cidadão norte-americano comum. O autor da imagem, o fotógrafo norte-americano Gregory Crewdson - um dos expoentes máximos da fotografia artística contemporânea -, chama-lhes “in between moments”, instantes que se encontram algures entre um passado e um futuro que, neste caso, assumem um papel absolutamente secundário. Aqui só o presente interessa, não habita qualquer memória ou esperança.

Nos últimos cinquenta anos, a fotografia tem vindo a perder o seu carácter documental para abraçar uma vertente predominantemente artística, assumindo o papel de contadora de histórias. O “isto foi”, evidenciado por Roland Barthes em “A Câmara Clara”, ou o “instante decisivo” reforçado por Henri Cartier-Bresson, nunca deixaram de estar presentes. Porém, a fotografia acabou por ganhar algum fôlego enquanto meio artístico autónomo fixando-se nesse objectivo primordial da arte – criar realidades ficcionadas que sejam capazes de suscitar uma reflexão sobre a realidade quotidiana.

Porém, no caso em análise, não existe nenhuma história para contar, com os seus capítulos e mistérios por resolver. Há, isso sim, um instante para contemplar, onde o drama é a peça central. É o potencial dramático que agarra o observador – um exercício de descoberta e revelação que nos envolve numa espécie de teia de raciocínio visual. Aqui, nas imagens de Crewdson, o “facto” é construído na mente do observador, através da experiência pessoal de cada um. A fruição não é um mero exercício contemplativo e há sempre a ambição de descobrir o que está para além da lente e da imagem fixada. Esta só ganha sentido mediante a participação do observador – na linha daquilo que Marcel Duchamp defendia através dos “ready-mades”, no princípio do século XX.

Influenciado pelo imaginário cultural explorado em algum cinema e pintura norte-americanos do último século, o trabalho de Crewdson assume a forma de uma narrativa visual instantânea em que a ficção se mistura com a realidade, revelando ao mesmo tempo uma grande capacidade de observação e imaginação. Há, portanto, uma espécie de “aura” benjamiana a abençoar este momento, reforçada por um “aqui” e um “agora” a enfentarem inesperadamente o destino.

Assim, mediante a realização de um retrato decadente da classe trabalhadora dos subúrbios norte-americanos, o fotógrafo transforma-se num arqueólogo do quotidiano, onde os cenários rigorosamente estudados, recheados de artifícios e teatralidade (proeminente na cultura visual americana), enformam uma nova poética na fotografia contemporânea e assumem um papel fundamental na compreensão do espaço psicológico das imagens – uma experiência estética que, numa altura em que Barack Obama assume a presidência dos Estados Unidos da América e promete renovar o Sonho Americano, põe a nu as fragilidades, medos e desejos de uma geração que alimenta o sonho em frente ao televisor rumo à alienação total.

Acríticas e anti-simbólicas, ao contrario daquilo que acontece na fotografia documental, estas narrativas visuais não estabelecem qualquer hierarquia de valores e todos os detalhes assumem a mesma importância – uma postura certamente influenciada pela actividade do seu pai enquanto psicanalista, e igualmente explorada pelos expressionistas abstractos nos anos 50 e 60, bem patente nas obras de Mark Rothko, Jackson Pollock ou Helen Frankethaler. Cada pormenor é igualmente calculado ao milímetro com uma precisão quasi-científica e nada parece ser obra do acaso, o que não impede Crewdson de adoptar uma postura distanciada e emocionalmente desligada das suas imagens.

Com cinco séries de de fotografias realizadas nos últimos vinte anos – “Natural Wonder” (1992-1997), “Hover” (1996-1997), “Twilight” (1998-2002) e “Beneath The Roses” (2003-2007 – Gregory Crewdson defende que há um denominador comum a todas elas, dando a ideia que estamos perante um “work in progress”. Cada imagem é uma experiência total, única, embora sempre indissociável de todas as outras. É nessa “incompletude” que reside a beleza e o mistério das suas imagens.

Inserido numa corrente vulgarmente designada por “american vernacular”, popularizada por artistas como Lee Friedlander, Diane Arbus, Nan Goldin ou Cindy Sherman, o trabalho de Gregory Crewdson (antigo guitarrista dos The Speedies, uma banda pós-punk de culto da cena nova-iorquina dos anos 70, cujo maior sucesso intitula-se, curiosamente, “Let Me Take Your Foto”) é o equivalente fotográfico da perversidade americana, evidenciada nas pinturas de Eric Fischl e John Currin ou nas esculturas de Robert Gober. É, no entanto, ao pintor Edward Hopper que Crewdson deve a criação do microcosmos de referências evidenciadas no seu trabalho: o tom, a luz, a atmosfera,o silêncio desconfortável, o drama psicológico, a composição, a aparência, a união de dois sentimentos antagónicos no mesmo plano, o céu e o inferno, a beleza, a tristeza, a melancolia, a alienação e o desejo - um conjunto de ferramentas que, no fundo, ajuda a criar um sentido e a oferecer espessura dramática às cenas representadas. Sobre o pintor norte-americano, Gregory Crewdson afirma mesmo que “é virtualmente impossível ‘ler’ visualmente a América sem referir a fotografia e o cinema que foram influenciadas pelo seu trabalho”.

Com uma forte ligação ao cinema, a grandeza estética e complexa das suas composições em larga escala revela um método de trabalho “hollywoodesco”, minucioso e perfeccionista, envolvendo o máximo empenho de uma equipa extensa e multidisciplinar (são mais de quarenta pessoas, entre assistentes de produção, realização, figurantes, técnicos, guarda-roupa, etc.) e várias etapas: pré-produção (o nascimento da ideia), produção (realização da ideia no terreno) e pós-produção (manipulação digital da imagem). São dias e meses de trabalho aturado a trabalhar para o mesmo fim, condensado naquele instante, que assume uma dimensão performativa total desde o nascimento da ideia à sua concretização; desde a ideia ao registo dos processos de realização e a própria exibição. Gregory Crewdson não “tira” fotografias, ele “faz” fotografias. Há um certo “fazer” artístico artesanal e transversal a várias áreas - teatro cinema ou pintura -, embora suportado em meios tecnológicos avançados, que nos permite encarar o seu trabalho como uma ópera visual.

No entanto, apesar do aparato evidenciado na realização de cada série, o imperativo fotográfico prevalece em relação aos códigos narrativos do cinema. As constantes referências ao seu trabalho como um instante de um filme são refutadas pelo próprio Crewdson quando defende que as suas imagens, ao contrário do cinema, não dependem de um encadeamento lógico e desprezam os compromissos moralistas da Sétima Arte. Alguem pediu um final feliz? Não é aqui que o vai encontrar, certamente.

O olhar do cineasta surge aqui, no entanto, com pompa e circunstância. As referências são óbvias e recorrentes no trabalho de Crewdson: em “Twilight” (1998-2002), onde a luz hopperiana surge como um código narrativo que confere à imagem a referida tatralidade e ajuda a descodificar a cena descrita, a mistura de duas ideias antagónicas como o normal e do paranormal, a relação do interior com o exterior, remetem obrigatoriamente para “Close Encounters of The Third Kind” (1977). No filme realizado por Steven Spielberg, o protagonista afasta-se progressivamente da família e da comunidade local, depois de testemunhar uma série de episódios extraterrestres, experienciando a mesma alienação evidenciada nas imagens do fotógrafo; em “Blue Velvet” (1986), de David Lynch, o uso das cores claras e saturadas transformadas em escuridão ajudaram-no a definir o tom da história; em “Magnolia” (1999), o realizador Paul Thomas Anderson debruça-se sobre a vida de um conjunto de pessoas que, aparentemente, não têm quaisquer ligações entre si, num melodrama contemporâneo. A ligação entre elas estabelece-se após um milagre – um alucinação a que o realizador oferece um carácter autêntico e bastante realista, tal como em qualquer série de fotografias de Gregory Crewdson; com Alfred Hitchcock partilha a obsessão romântica, essa vontade incessante de controlar cada aspecto do processo criativo, investindo numa meditação constante sobre as próprias imagens.

No campo da fotografia as referências são igualmente assumidas, numa espécie de homenagem a um conjunto de autores que ajudaram a desenhar a história da iconografia Americana: o “American vernacular” encarado por Lee Friedlander como uma paisagem de sombras e reflexos; o aspecto mundano do dia-a-dia de William Eggleston, transformado em algo misterioso e desejável; a tensão psicológica e perturbadora presente nos retratos aparentemente inocentes do estilo de vida americano da autoria de Joel Sternfeld; as cenas domésticas de Philip-Lorca di Corcia, nos anos 70, que misturavam aspectos mundanos do quotidiano e uma certa teatralidade, revelando uma sensibilidade fotográfica que oscila entre a imagem documental e o efeito cinematográfico; a exploração da identidade e do isolamento nas “Untitled Film Stills”, da autoria de Cindy Sherman, no final dos anos 70. Contudo, na hora de eleger a principal referência neste domínio, Gregory Crewdson não tem dúvidas em apontar como fonte primordial de inspiração as composições surrealistas da fotógrafa Diane Arbus - cujo trabalho retrata com mestria as ansiedades do povo Americano e inspirou profundamente o fotógrafo norte-americano, nomeadamente na construção de uma narrativa visual e na abordagem ao lado mais sombrio do Sonho Americano.

Aos quarenta e seis anos, Gregory Crewdson ocupa já um lugar único na história da fotografia contemporânea, ao lado de Jeff Wall, Nan Goldin ou Cindy Sherman – artistas que transformaram a sua arte numa experiência estética total. Longe vão os tempos das primeiras aulas de fotografia na Purchase College, em Nova Iorque. Hoje, os cenários etéreos e mortificados pelas urgências da natureza humana ganharam sentido e inauguraram um novo capítulo na história da iconografia norte-americana. Contam-se pelos dedos de uma mão os artistas que mergulharam com esta intensidade e paixão no imaginário de uma nação. E, apesar de tudo, o povo americano agradece.

"FOME" (Steve Mcqueen)

2008-12-29T03:50:47Z

Quem? O quê? Onde? Quando? Como? Porquê? As respostas a estas e outras perguntas são muito fáceis de responder quando nos lembramos dos tristes acontecimentos ocorridos na Prisão de Maze, Belfast (Irlanda do Norte), em 1981. A história é conhecida, foi contada nos jornais diários e já tem um capítulo reservado em qualquer enciclopédia do século XX: Bobby Sands, activista do IRA, inicia uma greve de fome como forma de protesto contra o o tratamento dado aos prisioneiros daquele estabelecimento prisional, reclamando o estatuto de preso político. Em pele e osso, Sands viria a falecer pouco tempo depois, vítima de ataque cardíaco, transformando-se num símbolo da luta daquele grupo.
Agora, em 2008, o artista plástico britânico Steve Mcqueen recria os acontecimentos vividos na Prisão de Maze, naquele ano. "Fome" é a história vista por dentro, aquela que foi impossível de reproduzir nos jornais e enciclopédias, sem cair nos maneirismos epopeicos, demasiado plásticos, típicos de Hollywood. Um exercício despudorado, violento, imundo, que revela a decadência, os rituais de humilhação a que foram sujeitos dezenas de prisioneiros daquele estabelecimento prisional e a fé levada ao extremo por alguém que se recusou a viver naquelas condições.Algures entre o mártir, o herói ou o anti-herói, Bobby Sands é aqui retratado como apenas alguém que estava consciente das suas convicções e dos efeitos das suas decisões.

A partir daqui, Mcqueen pega na história com mão de artista e faz dela um verdadeiro tratado sobre o sofrimento humano, os seus limites e as suas convicções. Sem fazer quaisquer juízos de valor, expõe a realidade dos factos com um notável distanciamento e coloca a condição humana no centro da acção. Os acontecimentos que levaram à greve de fome de Bobby Sands, o contexto político da Irlanda do Norte ou a vida para lá daquelas quatro paredes, são apenas o cavalo de Tróia da verdadeira batalha que Steve Mcqueen pretende aqui revelar. Na verdade, Bobby Sands é apenas o seu bode expiatório e a história verídica podia ser apenas fruto da imaginação.

À excepção de um diálogo majestoso entre Sands e um padre, onde o militante do IRA explica as razões pelas quais decide avançar para a greve de fome, Mcqueen dá total primazia à imagem e ao sentimento que esta transporta, num exercício onde se nota claramente a visão estética de um artista plástico. O uso pontual de pormenores técnicos deliciosos são a pièce de résistance de um filme cuja única pretensão é, no fundo, traduzir em imagens aquilo que a imaginação e as palavras não conseguem transmitir. O melhor murro no estômago do ano.

Free Hit Counter

Vamos lá celebrar o Natal

2008-12-25T21:04:08Z

"Eu sei que o pai gosta muito de ler, por isso é que adormece simplesmente...", dizia um menino de olhos muito abertos, enquanto olhava a enorme estante de livros à procura de um presente, na véspera da Consoada. O Natal é uma época estranha. Os centros comerciais resolvem dar um presente antecipado aos seus clientes e alargam o seu horário de funcionamento para lá dos limites do razoável. Os clientes rejubilam, ficam comovidos com o gesto e invadem esses centros comerciais à procura de objectos que nunca se lembrariam de comprar para si em qualquer outra época do ano. E depois oferecem-nas a familiares, amigos e ao "amigo secreto" lá da empresa. Alguns atrevem-se a dizer que aquilo vai dar imenso jeito, pelo menos uma vez na vida. São os livros de auto-ajuda para o irmão, os exfoliantes de Jojoba para a avó, o último romance do Prémio Nobel para o pai, a selecção de chás para mãe... Tudo dado com muito amor e carinho, pois. Esta gente não gosta de nós, acreditem... Ainda gostava de ver a cara do felizardo que recebeu o livro "O Que Fazer Depois de Morrer" da gaja que estava anteontem no "Vasco da Gama". Pelo menos, a contracapa despertou a nossa atenção: "será que há sexo no Além?"... Ah, Bom Natal!

A arte chinesa contemporânea está doente...

2008-12-07T04:01:10Z

Era inevitável. Quatro anos depois do grande "boom" da arte contemporânea chinesa, o mercado começa a dar os primeiros sinais de cansaço e, segundo o Herald Tribune (edição de 5 de Dezembro), o fim do estado de graça poderá estar à vista. Em circunstâncias normais, dir-se-ia que isto seria apenas um reflexo da grave crise económica que atravessa o Planeta de uma ponta à outra. Afinal, os resultados desastrosos nos últimos leilões apontam para essa possibilidade - no último leilão de arte chinesa da Christie's, no dia 30 de Novembro, em Hong Kong, apenas 18 das 32 obras que foram a leilão é que encontraram comprador e a preços abaixo das expectativas. Porém, a situação ganha outros contornos se tivermos em conta que nos últimos anos houve uma geração espontânea de artistas que, salvo honrosas excepções, andou literalmente a reboque de uma tendência de mercado.

Em quatro anos, o carrocel chinês foi alucinante, quase anedótico: confirmaram-se talentos e sobrevalorizaram-se outros tantos; a especulação inflacionou os preços do mercado e produziu falsos ícones; e, acima de tudo, deu-se a entender que a arte chinesa contemporânea tornou-se tão importante a certa altura que, por breves momentos, acreditámos ingenuamente que estávamos perante uma vanguarda do século XXI. Existirá, de facto, um denominador comum a estes artistas que aponta claramente para a noção de movimento ou tendência. E uma manifestação desta natureza, que irrompe em bloco pelo mercado transmitindo um certo ideal cultural da China contemporânea, não pode ser desprezada. No entanto, o estatuto de vanguarda parece-nos abusivo - uma ideia que será, certamente, devidamente analisada nos próximos anos, depois da poeira assentar...

No entanto, esta será porventura a melhor altura para adquirir algumas peças interessantes a bons preços. Esquecida a euforia desmedida dos últimos anos e com os especuladores a virarem-se para outras paragens, a própria crise ajudará a trazer algum bom senso e a redefinir a lógica de mercado, a separar o trigo do joio, o essencial do acessório. E, sobretudo, a produzir um certo equilíbrio que irá oferecer uma visão mais real daquilo que é a arte contemporânea chinesa. Com os olhos postos no Oriente, a pergunta impõe-se: e agora, quem será o último a rir?...

Yue Minjun, "Between Men And Animal" (2005)

COMO FAZER UM HAPPENING? - ALLAN KAPROW

2008-11-23T00:20:16Z

Como fazer um “happening”? Aparentemente, a resposta à pergunta não é fácil e confunde-se mesmo com a própria definição de “happening” – uma espécie de performance previamente encenada, embora dada muitas vezes a exercícios de improvisação, que ocorre normalmente em lugares inusitados e incentiva o envolvimento do espectador na própria acção. Criado e incessamente explorado pelo norte-americano Allan Kaprow no final dos anos 50, viria a tornar-se bastante popular na década seguinte, quando milhares de artistas o adoptam como o meio de expressão artística por excelência, abandonando progressivamente a pintura.
A democratização do “happening”, não só nos Estados Unidos mas também um pouco por todo o Mundo, dava origem a um novo capítulo de importância fulcral na história da arte do século XX. Apesar da sua aceitação pela instituição arte, o meio estava longe de ser consensual. As discussões em torno do “happening” animavam os círculos académicos, que todos os dias levantavam um conjunto de problemas com os quais era difícil de lidar.
A verdade é que toda a gente fazia um “happening”, mas eram poucos aqueles que se aventuravam a descrever passo-a-passo a preparação do mesmo, desde o nascimento da ideia à sua concretização. Em 1966, Kaprow decide finalmente desvendar a receita e lança o disco “How To Make A Happening”, onde explica de forma detalhada aquilo que devemos fazer, e não fazer, para elaborar um “happening”. Originalmente lançado pela Mass Art, o disco nunca viria a ser distribuído em larga escala, em virtude da falência da editora pouco depois do seu lançamento. Agora, pela mão da editora Primary Information, “How To Make a Happening” volta aos escaparates em formato CD (1000 exemplares) – um lançamento devidamente celebrado aquando a sua apresentação na Maccarone Gallery, em Nova Iorque, onde a histórica gravação foi reproduzida em simultâneo por cem rádios. As encomendas são feitas aqui.

LIGHTNING BOLT EM PORTUGAL!

2008-11-20T11:50:24Z

A espera foi longa, demasiado longa, mas eles aí estão. Senhoras e senhores, meninas e meninos, os Lightning Bolt aterram, finalmente, em Lisboa no próximo domingo, 23 de Novembro. O concerto, organizado pela ZDB, acontece no piso -5 do parque de estacionamento do Largo do Camões - bem longe do piso térreo, portanto - e promete causar estragos nos ouvidos dos mais corajosos. O ruído é a palavra de ordem. Deixem passar a caravana do estrilho de Brian Chippendale e Brian Gibson, por favor.

MUTUAL ART

2008-11-20T00:03:16Z

Imagine, caro leitor, que agora todas as notícias, críticas e informações sobre as últimas exposições e feiras de arte se encontram reunidas no mesmo sítio. Uma autêntica Biblioteca de Alexandria à distância de um "clic", actualizada ao minuto e baseada no perfil e interesses de cada utilizador - localização, artistas, suportes e movimentos favoritos. Parece mentira, mas é verdade. Desenvolvido nos últimos dois anos e lançado no princípio de 2008, o Mutual Art é um serviço que pretende agilizar o acesso à informação de entusiastas, estudantes, colecionadores e profissionais do mundo da arte, recorrendo a milhares de fontes de informação em simultâneo, através de um poderoso suporte tecnológico. Esqueçam a Artfacts, a Artnet... Esqueçam isso tudo. Desde o aparecimento da Internet, esta é talvez a ferramenta mais útil e revolucionária que os amantes da arte podem encontrar. O registo é feito apenas por convite de um membro já existente e, caso alguém esteja interessado, o Entrelinhas pode dar uma ajudinha... Basta pedir. Isto se não quiser desembolsar trezentos euros, claro.

ARTE LISBOA2008

2008-11-14T17:50:04Z

A "Arte Lisboa" está de volta à cidade. Entre 19 e 24 de Novembro, a FIL (Parque das Nações) acolhe a 8ª edição do certame, com a participação de setenta galerias nacionais e estrangeiras.
Entre avanços e recuos, algumas polémicas e outros problemas conjunturais, o percurso da Arte Lisboa tem sido tudo menos pacífico, sofrendo com os inevitáveis obstáculos que vão surgindo na preparação de todas as edições e, consequentemente, acabando por desempenhar um papel pouco expressivo à escala global. Incapaz de suscitar o interesse de galerias provenientes de mercados mais aliciantes, como a Inglaterra, a Alemanha ou a França, a Arte Lisboa acaba por ir angariar a maioria das galerias participantes ao país vizinho. Esporadicamente, o seu raio de acção é alargado a outros países, nomeadamente de língua oficial portuguesa, apesar da sua presença ser praticamente residual. É, portanto, um evento periférico e à margem dos grandes acontecimentos do género a nível europeu.
Nesta 8ª edição da Arte Lisboa interessa saber, acima de tudo, se a organização tem capacidade para assumir uma nova atitude que envolva uma perspectiva de continuidade, abandonando o autismo que caracterizou as últimas edições. Resta saber se a Arte Lisboa continua a enredar-se no seu próprio novelo, "orgulhosamente só", e pouco interessada em captar novos públicos. Para já, a avaliar pelo ciclo de debates agendados - pobre, impopular e acessível apenas a uma minoria especializada -, a descrença é grande. Para conferir no decorrer da próxima semana.

Galeria Marz (Lisboa)

2008-10-22T22:40:13Z

Ainda cheira a fresco. Inaugurada há um par de semanas, a novíssima galeria Marz fica ali para os lados de Alvalade (Lisboa) e promete dinamizar aquela área com um programa anual bastante aliciante: sete exposições e três projectos específicos para uma sala pequena. Da responsabilidade de Carlos Marzia e Nancy Dantas (ex-Cristina Guerra), a Marz vai trabalhar com uma pequena lista de artistas nacionais e estrangeiros: Alexandre Estrela, Bruno Pacheco, Isabel Simões, Pedro Diniz, Rui Valério, entre outros. Na exposição inaugural, a Marz apresenta em simultâneo “Six Degrees of Separation” (João Seguro) e “And it Came to life” (Ryan Gander). É favor ir lá dar um salto, claro.

"More Statements In The Spirit Of Militant Agnosticism" (Michael Biberstein na Cristina Guerra)

2008-10-22T03:51:20Z

Há uma luz universal que atravessa qualquer obra de Michael Biberstein. A mesma luz que podemos encontrar diluída no sfumato de Mona Lisa ou, se não quisermos acordar o olho preguiçoso, na incandescência absurda de Turner. Todas elas são, sem excepção e cada uma à sua maneira, mentirosas. É disso que a arte se trata - um espelho distorcido da realidade em que fingimos acreditar. No entanto, a luz que hoje está à nossa frente é assumidamente irreal, desafiando as limitações da retina, numa viagem que começa exactamente aí para acabar nos confins da imaginação. A partir daí, as manchas de cor esbatida do artista suiço - que se fixou no Alandroal (Alentejo) há mais de trinta anos - assumem uma dimensão espiritual e especulativa, obrigando-nos a idealizar uma espécie de realismo mental. É uma luz que nos invade a mente, exercendo uma estranha sensação de relaxamento, e nos leva a questionar se não existirá algo para além disto - da vida e da própria pintura (Biberstein chama-lhes pinturas "psico-fisiológicas). É, no fundo, um trabalho que se suporta nas grandes tradições da pintura, seja através da cor ou do traço diluído, embora atinja uma dimensão metafísica que raramente vemos nos seus antecessores.
Em "More Statements In The Spirit Of Militant Agnosticism", a terceira exposição individual de Michael Biberstein na Galeria Cristina Guerra, em Lisboa, existirá contudo uma ligação à terra completa. Mas, desenganem-se aqueles que pensam que vão encontrar aqui qualquer tipo de redenção. Aqui só há lugar para uma experiência maior. E isso já não é pouco.

Mais informações e imagens aqui.

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"Vou-te Contar Uma História" na Porta 33 (Funchal)

2008-10-20T11:32:04Z

(pedimos desculpa pela ausência prolongada, mas afazares profissionais obrigaram a adiar e a esquecer, por momentos, as nossas paixões. As Entrelinhas seguem dentro de momentos)

Caros amigos,

Aqui está uma prova de que a Madeira mexe. E bem. "Vou-te Contar Uma História" é uma exposição colectiva de desenho, patente na Galeria Porta 33, no Funchal, até ao próximo dia 13 de Dezembro. Comissariada por Delfim Sardo, esta exposição reúne um conjunto de artistas fundamentais dos últimos quarenta anos - nacionais e estrangeiros - que utilizam o desenho como processo narrativo: Helena Almeida, Francis Alys, Pedro Barateiro, Ilya Kabakov, Martin Kippenberger, Vik Muniz, Gabriel Orozco, Raymond Pettibon, Rirkrit Tiravanija, Lawrence Weiner, entre outros. Vale a pena desviar a rota por uns dias, portanto.

OBRAS DE DAMIEN HIRST VÃO A LEILÃO NA SOTHEBY'S

2008-09-08T18:30:02Z

"If you say to someon that galleries take 50 percent, they'de be shocked by that. In any other bussiness, it's an extortionate amount of money. I've never tought it made much sense."

É verdade, às vezes, a ironia vem donde menos se espera. Se lhe dissermos que a frase acima citada é da autoria de Damien Hirst, acredita? A declaração surgiu a propósito de Beautiful Inside My Head Forever", o leilão resultante da venda directa das suas obras à leliloeira Sotheby's. Livres de quaisquer taxas, as obras serão postas à venda através daquela leiloeira, evitando pela primeira vez o intermediário habitual neste tipo de transacções, as galerias, de forma a combater um sistema "injusto para os artistas", diz Hirst... Perdão, o artista mais rico da Grã-Bretanha.
"Beautiful Inside My Head Forever" irá decorrer em Londres, nos próximos dias 15 e 16 de Setembro, e segundo a Sotheby's prevê-se uma receita na ordem dos 114,5 milhões de dólares. Recorde-se que Damien Hirst é também o autor da obra "For The Love God", uma caveira totalmente coberta com diamantes, que o leitor pode levar para casa pela módica quantia de 50 milhões de libras.

Update:

Bastante oportuno - e com título a condizer -, Damien Hirst é capa da edição europeia da revista "TIME" desta semana (15 de Setembro). "Artist as Rock Star" é o título perfeito de um extenso artigo sobre o artista britânico, que procura saber se o leilão da próxima semana "é o fim da arte ou o início de algo novo". E, porventura, será justo falarmos em Andy Warhol do século XXI?... De qualquer forma, vale a pena gastar 4,20€.

"N" RAZÕES PARA IR/VOLTAR À TATE MODERN EM 2009

2008-09-05T02:37:58Z

É isso. E se nunca lá esteve, não hesite e dê um salto a Londres em 2009. Lá para os lados da Tate Modern há arte da boa, para ver e para sentir. As últimas aquisições da dita instituição falam por si e despertam os sentidos de qualquer curioso. O programa para o próximo ano adivinha-se, portanto, guloso. Senão, vejamos: de um total de 439 obras e gastos na ordem dos 112 milhões de dólares, a extensa lista de compras inclui nomes como Damien Hirst (4 obras), Louise Bourgeois ("Maman", aquela aranha enorme, gigante...) ou Francis Bacon (2 obras). Em relação a exposições também não ficamos nada mal servidos: "Sold Out" (um olhar sobre como os artistas 'pop' e os seus sucessores se venderam a si próprios; artistas como Warhol, Koons, Keith Haring ou Damien Hirst têm presença assegurada) - 1 de Outubro de 2009 a 17 de Janeiro de 2010; "Van Dyck and Britain" - 18 de Fevereiro a 17 de Maio de 2009; "Turner and the Masters" (Rubens, Canaletto, Rembrandt ou Constable vão estar por lá...) - 23 de Setembro a Janeiro de 2010; uma retrospectiva de Richard Long (a primeira em Londres nos últimos 18 anos) - 3 de Junho a 6 de Setembro de 2009).
Sim, pelos vistos da maneira como as coisas estão por aqui, o melhor é mesmo rumar a paragens como esta. Convencidos?...

EXPOSIÇÕES - Gulbenkian, Palácio das Galveias e Museu do Oriente

2008-09-01T14:08:15Z

Existem três boas razões (pelo menos) para ficar contente com o fim do Verão. Em Setembro, a programação cultural em Lisboa volta a ficar animada e as atenções estão viradas para três exposições que prometem bastante. A saber:

A Fundação Calouste Gulbenkian apresenta "Drawing a Tension - Colecção Deutsche Bank", uma colectiva organizada por aquela instituição bancária, que detém uma das maiores colecções de arte do mundo (cerca de 50 mil peças oriundas de centenas de artistas). Até ao próximo dia 7, a Gulbenkian recebe 120 obras de artistas fulcrais do último século como Pedro Barateiro, Gerhard Richter, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Martin Kippenberger, Sigmar Polke ou Max Ernst.
(é verdade que a dita exposição está patente na Gulbenkian desde Junho, mas também é verdade que a divulgação da mesma ficou muito áquem daquilo que é esperado por uma instituição desta envergadura. O público e o Deutsche Bank mereciam melhor...)

A partir do próximo dia 4, o Palácio das Galveias (Campo Pequeno) recebe "Ser e Ter", uma exposição organizada pela Embaixada da Coreia que reúne cerca de dez artistas daquele país, que se destacaram nas décadas 60 e 70 do século XX. Até ao próximo dia 21 de Setembro.

Aberto ao público desde Maio, o novíssimo Museu do Oriente apresenta uma programação bastante eclética e de carácter transdisciplinar, debruçando-se essencialmente sobre o papel de Portugal na relação entre o Ocidente e o Oriente. Vale a pena ir dar uma vista de olhos ao espólio impressionante do museu, espalhado por dois pisos, e confirmar a influência da presença portuguesa na cultura oriental ao longo dos últimos séculos. "Máscaras da Ásia", "Desuses da Ásia" e "Portugueses na Ásia" são as exposições que estão actualmente em exibição. A partir de 7 de Setembro, o museu inaugura o ciclo "O Despertar da China", exibindo alguns filmes inéditos nas salas portuguesas do novo cinema chinês, que retratam as "profundas transformações sociais, económicas e culturais" em curso naquele país.

Divirtam-se.

IVO MOREIRA - "I WANT TO GO WITH YOU" (SALA DO VEADO)

2008-08-13T11:50:11Z

A partir de 12 de Agosto, Ivo Moreira apresenta "I Want to Go With You" na Sala do Veado do Museu de História de Natural, em Lisboa. Com residência na Galeria Zé dos Bois desde 2001, e depois de ter andado pela Índia e Marrocos, o artista aterra em Lisboa e apresenta um conjunto de telas de grandes dimensões executadas nos últimos três anos. O conjunto é algo difuso e, além de reflectir estados de espírito diversos, procura um caminho que terá sempre como pano de fundo paisagens oníricas, celestiais, mensagens humorísticas ou o psicadelismo. É um percurso solitário à margem de qualquer sugestão académica, atento a vibrações e recheado de referências dos locais por onde passou. As telas de Ivo Moreira transmitem-nos acima de tudo uma grande sensação de paz, alegria e vontade de partilhá-las com os demais. Façam o favor de lá dar um salto, então.

FRANCIS PICABIA

2008-07-27T01:42:34Z

Esqueçam os manifestos, as paródias com Duchamp e Man Ray ou as belíssimas telas pintadas algures entre o final da década de 20 e os primeiros anos da década de 30. A melhor fase de Francis Picabia situa-se entre 1939 e 1945, onde o artista francês dá uma sacudidela na apatia criativa que a Guerra entretanto provocara. O artista parecia zangado, mas recusava-se a perder o sentido de humor. É precisamente nesta altura que Picabia nos oferece aquilo que nós queríamos. Aquilo que nós merecíamos.
São retratos de pin-ups decadentes, divas de postal, decalcados de uma qualquer revista erótica banal, onde é impossível descortinar à primeira vista qualquer motivação lógica/válida por parte do artista. Muito criticados na altura, foram unanimemente descritos como repugnantes, ultrajantes, superficiais e de péssimo mau gosto. Eram sobretudo um atento à moralidade reinante, e não lidavam bem com as ideias do modernismo autoritário. Digamos que a vulgaridade do "kitsch" e do nu banal, grosseiro, tal como eram representados por Picabia, não representavam condignamente as ambições de uma instituição que, nesta altura, lutava para ser levada a sério.
No entanto, aquelas imagens que hoje serão facilmente descritas como "realismo popular", inspiradas no softcore e na publicidade, foram uma bela pedrada no charco do marasmo que se vivia na época. São, com efeito, uma bela manifestação anti-arte pós-dada, na linha daquilo que os seus colegas e amigos, Man Ray e Marcel Duchamp, tentavam explorar incessantemente."Kitsch", grotescos e carregados de ironia, estes retratos são definitivamente um capricho, livre de qualquer preconceito, que procurava suscitar uma convulsão, uma reacção violenta, a um público aparentemente irascível e avesso à mudança. O mau gosto assumia, mais uma vez, o estatuto de anti-arte.
Tal gesto, aparentemente inocente e sem quaisquer pretensões formais, inspiraria no entanto uma geração que já não suportava a altivez representada pelo expressionismo abstracto. Vinte anos depois, as telas "ultrajantes" de Picabia ganhavam um novo sentido, sendo frequentemente apontadas como forte inspiração da arte pop, sobretudo do ponto de vista conceptual, ao apropriarem-se de um imaginário demasiado mundano. A ruptura e a provocação estarão sempre intimamente ligados a estes dois momentos. E, porventura, será mesmo injusto desligar a as divas de Picabia às Brillo Box de Warhol, assim como distinguir a postura de ambos os artistas perante a obra e o seu público. Eles merecem o elogio: deliciosamente "kitsch".

"Femmes au bull-dog" (1941-1942)

"La brune et la blonde" (1941-1942)

"Deux femmes au pavots"

"Deux Nus" (1941)

Cinq Femmes" (1942)

"La danseuse de french-cancan" (1942-1943)

"L'élégance" (1942-43)

FILHO ÚNICO NA AVENIDA DA LIBERDADE

2008-07-18T11:53:24Z

Hoje à noite, lá para os lados da Avenida da Liberdade, o ruído vai voltar a fazer sentido. Nélson e Pedro Gomes prometem dar "barulho do bom" à miudagem. É favor não faltar, por favor.

Bernardo Devlin, Time Machine, Afonso Simões + Manuel Mota, Tó Trips, Norberto Lobo Trio, Kotalume, Dj Marfox,
PCF Moya, Jooklo Duo + Tiago Miranda, Kazike, Sei Miguel: Acalanto 5: Rito e Realidade, Portable aka Bodycode;
Nuno Rebelo + Marco Franco, Photonz, Chamine Ndongo, Stellar Om Source, The Act-Ups e Ana Santos + Pedro Barateiro

Local: AVENIDA - Avenida da Liberdade 211
Data: 18 de Julho
Horário: 21h30
Entrada: 6 €

THE SAATCHI GALLERY segundo adrian Searle

2008-07-07T16:07:36Z

Caro leitor,

Na próxima viagem a Londres, pense duas vezes antes de entrar na Saatchi Gallery. Correndo o risco de não perceber ao que vai, o que vai encontrar ou o que aquela instituição pretende, aconselhamos a leitura do texto abaixo. Não estamos a dizer, no entanto, que a dita colecção não é interessante - os nomes que a compõem não nos deixam mentir - mas vale a pena ler este texto do Adrian Searle para ficar a perceber melhor o "fenómeno" Charles Saatchi. Ou o fenómeno Joe Berardo. Ou o fenómeno François Pinault. E porque, afinal, ir a um museu qualquer às vezes não é turismo ou, pelo menos, não deveria ser encarado como tal - exige-se, portanto, uma postura menos contemplativa e mais sentido crítico.

(Adrian Searle é crítico de arte do Guardian)

Same again Saatchi

The New Blood show has no theme or shape, says Adrian Searle. It's just one damn thing after another

Tuesday March 23, 2004
The Guardian

Charles Saatchi had almost completed installing New Blood at his gallery at London's County Hall last week when we met by chance. "Let me write your review for you," he said, enraged. "I'm a cunt, this place is shit, and the artists I show are all fucked. Will that do for you?" I almost wish my views could be expressed with the same vigour, precision and exactitude. It would save a lot of time.

Saatchi had also been arguing with the young dealer who was attempting to put the finishing touches to Francis Upritchards's tableau Save Yourself, a work with a little mummified humanoid who lies on the floor, groaning quietly amidst a patch of prised-up parquet flooring, some of which was piled up like a makeshift little Pharaoh's tomb. This work was last seen in Beck's Futures at the ICA, exactly a year ago. Upritchard is currently in New Zealand, and her gallerist was attempting to arrange the elements of the work in accordance with the artist's diagrams and notes. The recorded groans are supposed to be audible only when one stands very close to the work. Saatchi wanted the sound turned up. The moaning competed with all the shouting, and echoed round the gallery. This was all getting a bit unseemly.

I'd much rather talk about the art than the collector, on whom the media has something of a fixation. He has brought all this attention on himself, not least by opening his high-profile gallery in County Hall last year, and bringing out a book of the collection called Young British Art - The Saatchi Decade. Some private British galleries would be hard put to survive without his purchasing, and some artists would probably be unknown without him. He gets a lot of stick, sometimes even from me, and sometimes from the artists he collects, or fails to collect. He can't win. Part of the reason he gets all this attention in Britain is because there are still those who can't quite believe that a sane individual would collect contemporary art. But there are other reasons.

It is worth saying that he wouldn't matter so much if there were other collectors in this country with as much financial clout as he has. There are many in Europe and the US. Some are extremely serious, collecting in depth and forming coherent collections, while, equally, there are some who make even Saatchi look a model of rectitude. Saatchi buys, he sells, he puts the art he buys - and himself - in the spotlight of the media. He's a self-admitted show-off, more PT Barnum than Svengali. His effect on the British situation is an unavoidable and continuing subject, and one can't ignore the context.

What you can't fault Saatchi for is his enthusiasm for what he does. I suppose the way the works have been installed in New Blood/New Artists/New Acquisitions, to give it its full title, is signal to this same energy and enthusiasm. It all feels a bit manic and bizarre. He wants to give visitors value for money. His approach, by and large, is populist - there's lots to see, and some (although by no means all) of what he buys is a kind of self-explanatory art that doesn't take much mental unpacking. Faddish things, serious things and quiet things, creepy things and over-rated things, good things sometimes. It all ends up the same, and you could almost say the same of the Tate.

Whereas a current exhibition such as State of Play at London's Serpentine Gallery is so understated in its playfulness, so deadpan in manner as to be an unrewarding disappointment (apart from some great gags by David Shrigley), New Blood is crammed to the point of incoherence. The beautiful exhibition (In Search of) The Perfect Lover, currently at Hauser and Wirth on Piccadilly, bringing together drawings by Louise Bourgeois, Marlene Dumas, Paul McCarthy and Raymond Pettibon, is an example of how things can be done; it plays with the connections, the differences in style and intent, the works' inner narratives. This is what makes a good group show. But then, New Blood isn't really an exhibition in that sense, in that it has no theme, no leitmotif, no coherent shape or organisation. It is driven by whatever acquisitive thing compels the collector - one damn thing after another.

Ninety-three things, in fact. Sixty-three of them by 24 "new young artists" - including Upritchard, Liz Neal, Keith Farquhar, Lucy McKenzie (none of whom is exactly new, in the scheme of things), German painter Jonathan Meese (12 substantial paintings and sculptures, including a very large triptych), and of course Stella Vine, who has attracted an enormous amount of publicity for her two smallish paintings here. Saatchi has also enlarged his collection of newspaper cartoons related to works he owns, including a very funny Nicholas Garland take on Vine, which replaces her paranoid Princess Di with a boggle-eyed Tony Blair: "Hi Gordon, can you come over I'm really frightened."

Then there are the "new acquisitions" by much more established artists, some of whom he continues to collect - Paula Rego, Peter Doig, Grayson Perry - and others whom he has not, I think, bought before: Luc Tuymans, Marlene Dumas, the late Martin Kippenberger, and so on. The closest Saatchi gets to helping the works have a conversation is in the room in which Damien Hirst's Away From the Flock - the sheep in the tank - stands before a large Luc Tuymans painting depicting the bars of a birdcage. Empty cage, filled vitrine. OK.

Where the collection at Tate Modern is almost always too crowded with people to see the art properly, so the Saatchi Gallery is too crowded with art. Some side-rooms and converted offices here work well, because the work commands the space and can be seen in isolation: Nobuko Tsuchiya's delicate, agglomerative sculptures, for example, or Dan Brady's Architectural Model 1:50, with its cardboard towers and sub-basements, offices and halls. Installed in County Hall, it makes one think of the compartmentalised labyrinth and Chinese boxes of the setting of Kafka's The Trial, which is what Brady intended. The placement of this work amplifies the metaphor. But this is rare, as Saatchi isn't always so concerned with artist's intentions, nor ever has been. He famously had a furious argument with Richard Serra over his installation of Serra's work. You argue with Serra at your peril.

Some of Saatchi's curating games work well enough - he does have an eye, and a sense of humour (which is sometimes overlooked) - but most of his juxtapositions of different artists' works are happenstance. There is much here that just looks lost, out of place, homeless. The Saatchi Gallery is not a museum, and although we might think that public institutions purchase and display works with a certain sense of responsibility both to the art and the audience, there have been dreadful, truly horrible lapses. The disgraceful Gallery of Modern Art in Glasgow is still recovering - if it ever entirely will - from the irresponsible and opinionated directorship of Julian Spalding, a man who also has firm ideas about art and how it should be displayed. So too did Doctor Barnes, of the Barnes Foundation in Philadelphia, whose museum is as fascinating for his craziness as for the Matisses, Van Goghs and cast-iron domestic ironmongery collection.

The Saatchi Gallery is neither a commercial gallery nor a foundation. It isn't, quite, Citizen Kane's Xanadu. If the gallery serves an educational purpose, it is hard to see quite how, except in the most general terms. There's no contextualising, no hard information to be had here on any of the work or on the artists themselves. Patricia Ellis's little descriptive comments on the works, which annotate the wall labels, are a continuing source of hilarity.

In fact, this is a very difficult place to look at art without being sidetracked. What the Saatchi Gallery lacks is grace. There are too many competing values, too much going on. This is what happens when contemporary art becomes akin to a tourist phenomenon; this is, in fact, a general problem for art institutions of all kinds in the 21st century, of which the Saatchi Gallery is an extreme example. Who or what is being catered for here? The art, the audience, the collector's fantasies? Why do we look? We look because want something, perhaps something we will never find. This is why we look again, and probably why Saatchi keeps on buying. Judgments about good and bad might in the end be less interest ing than unravelling our encounters with art, going on this repeated journey. When the shouting is over, maybe that walk will be possible.

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"REVOLUÇÃO CINÉTICA" - OP... QUÊ?!

2008-06-23T03:12:08Z

Chamem-lhe o que quiserem: op art, arte óptica, ilusória, etc. Nós não gostamos dela. Não simpatizamos com esta ideia do artista desafiar o nosso olhar. A coisa é enfadonha, redundante, vazia de conteúdo e o jogo que se estabelece entre obra e espectador deixa de ter piada ao fim de três minutos. Já para não falar no logro que é olhar para uma realidade aparente - e não é isso a tal união da arte com a vida, yada yada yada? Não, não é isso. Não é a mesma coisa. Aqui estamos a falar de equações matemáticas, efeitos ópticos e outras técnicas "misteriosas". Uuuuh... Tudo para enganar o espectador. Perder tempo a descodificar o que é fundo e objecto? Mas para quê, afinal? O nosso cepticismo em relação à op-art arrefece, no entanto, quando olhamos para um Vasarely ou uma Bridget Riley, mas... e o resto? Uma perda de tempo, um vazio completo, um cancro sem cura. Resumindo, tudo aquilo que nos leva a questionar o nosso olhar, a imagem que nos é descodificada pelo cérebro e a sua forma de processar essa informação, não nos interessa. Pelo menos, quando é apresentada daquela maneira. Marcel Duchamp tinha razão, em 1966, quando não vaticinava um grande futuro à op art.
E foi isto tudo que sentimos quando visitámos a exposição "Revolução Cinética", no Museu do Chiado, que acabou no passado dia 16. A exposição, que contou também com alguns artistas portugueses como Nadir Afonso, Eduardo Nery ou René Bertholo, limitou-se a apresentar uma série de nomes históricos do movimento. Safaram-se os rotoreleifs do Duchamp, obviamente, ali enfiados não sabemos muito bem como, nem porquê. E também não percebemos porque é que, afinal, não resgataram exemplos recentes, e igualmente válidos, do movimento. Assim de repente, lembramo-nos de um Ross Bleckner ou de um Philip Taafe, por exemplo. Enfim, uma perda de tempo. E pronto, podem fechar a loja, já destilámos o nosso ódio.

Bridget Riley

"TERRITORIAL PISSINGS" na PLATAFORMA REVÓLVER

2008-06-20T02:26:32Z

Diz o Wikipedia: "Apartheid ("vida separada") é uma palavra de origem africana, adoptada legalmente em 1948 na África do Sul, para designar um regime segundo o qual os brancos detinham o poder e os povos restantes eram obrigados a viver separadamente, de acordo com regras que os impediam de ser verdadeiros cidadãos".

Serve o prelúdio acima para explicar exactamente o quê? Para explicar "Territorial Pissings", uma exposição colectiva inspirada na música dos Nirvana com o mesmo nome, organizada pela "Plataforma Revólver para a Arte Contemporânea" e patente na VPF CreamArt Gallery (Rua da Boavista, nº 84 - Lisboa) até ao próximo dia 31 de Julho. Ana Cardoso, Sérgio Costa, Susana Guardado, Tatiana Macedo, Carlos No e Sandra Rosa Dias abordam o assunto através de "uma clara analogia a um comportamento de sobrevivência animal", recorrendo a vários suportes e pontos de vista.
Deste conjunto, destacamos a série de fotografias de Tatiana Macedo - "Vigilantes" - composta por um conjunto de retratos de supervisores de museus, quiçá uma forma hábil de especular sobre a eventual sensibilidade estética de um espectador involuntário. Ou, se quisermos, o retrato de alguém pronto a emitir um juízo de valor despreocupado, uma nova forma de (não) olhar para a arte; Carlos No apresentou uma instalação simbolicamente acessível e capaz de suscitar uma troca de ideias pertinente, na linha de "Desfiladeiro", apresentada há um par de meses na galeria Pedro Serrenho. É mais uma vez um trabalho com uma visão/interpretação unidireccional, aparentemente hermética ao primeiro olhar, mas de fácil leitura logo após o primeiro impacto, que aposta num jogo de palavras inteligente e eficaz; o vídeo de Susana Guardado é talvez a peça mais ambiciosa da exposição - um conjunto de versões da música dos Nirvana, interpretadas por músicos como erro!, Vítor Rua ou Black Bambi, com direito a registo visual do processo de composição e interpretação. É, no fundo, um conjunto de reacções a um mesmo estímulo. Um retrato cru e potencialmente indulgente de um mundo observado a partir de vários ângulos. Um hino à diferença, mas a pedir mais tolerância. Convém ir lá dar um salto.

O DESENHO (e Devendra Banhart)

2008-06-17T15:59:29Z

Numa conversa aqui há alguns dias, a propósito da exposição "It's Not Only Rock n' Roll, Baby", em Bruxelas, que reúne trabalhos de uma série de músicos, falou-se da importância cada vez maior do desenho no panorama artístico actual. Do desenho enquanto fim, entenda-se, e não como um simples meio, esboço, para chegar a um fim - uma tendência relativamente recente que começa a despertar o interesse de um público mais vasto. Fala-se, portanto, dos novos nomes do desenho - algo impensável há meia dúzia de anos. Faz sentido o burburinho? O tempo encarregar-se-á de dar a resposta. Até lá, vamos estando atentos aos nomes que vão aparecendo por aí, como Devendra Banhart - quem diria?... - que conta histórias sentado à guitarra e, pelos vistos, de lápis na mão. Estará ele preparado para assuntos "mais sérios"?... Estamos curiosos. Esperar para ver. Mas nós gostamos disto. Tem muita pinta e nota-se facilmente a influência dos desenhos de Paul Klee.

EntreLinhas

O ENTRELINHAS FAZ ANOS

"Batalha de Sombras - colecção de fotografia portuguesa dos anos 50 do Museu do Chiado"

"Lá Fora" (Museu da Electricidade)

"O Pós-Modernismo morreu! Viva o AlterModernismo" (Tate Triennial 2009)

ALTERMODERNMANIFESTO

POSTMODERNISM IS DEAD

Gregory Crewdson - "O elogio do artifício"

"FOME" (Steve Mcqueen)

Vamos lá celebrar o Natal

A arte chinesa contemporânea está doente...

COMO FAZER UM HAPPENING? - ALLAN KAPROW

LIGHTNING BOLT EM PORTUGAL!

MUTUAL ART

ARTE LISBOA2008

Galeria Marz (Lisboa)

"More Statements In The Spirit Of Militant Agnosticism" (Michael Biberstein na Cristina Guerra)

"Vou-te Contar Uma História" na Porta 33 (Funchal)

OBRAS DE DAMIEN HIRST VÃO A LEILÃO NA SOTHEBY'S

"N" RAZÕES PARA IR/VOLTAR À TATE MODERN EM 2009

EXPOSIÇÕES - Gulbenkian, Palácio das Galveias e Museu do Oriente

IVO MOREIRA - "I WANT TO GO WITH YOU" (SALA DO VEADO)

FRANCIS PICABIA

FILHO ÚNICO NA AVENIDA DA LIBERDADE

THE SAATCHI GALLERY segundo adrian Searle

Same again Saatchi

"REVOLUÇÃO CINÉTICA" - OP... QUÊ?!

"TERRITORIAL PISSINGS" na PLATAFORMA REVÓLVER

O DESENHO (e Devendra Banhart)

ALTERMODERN
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